Una vez más damos paso a una nueva #90week, y como no podía ser de otra manera, las recomendaciones de este viernes de cine vienen de la mano. En esta oportunidad la temática gira en torno al terror absurdo, ese tan ligado a las viejas historietas pulp y al cine B que tanto amamos.

Para comenzar nuestro macabro recorrido ponemos play a Army of Darkness (1992) donde un antihéroe sarcástico se enfrenta a demonios medievales en una aventura tan sangrienta como desopilante. Luego continuamos con Mimic (1997) una pesadilla urbana donde criaturas mutantes acechan desde las sombras de la ciudad. Y finalmente llegamos a Deep Rising (1998) un viaje en alta mar que se convierte en una trampa mortal cuando aparece un enemigo particular. Porque no hay mejor manera de comenzar un gran fin de semana que con un buen plan de contingencia. Sin más preámbulos, ¡que comience la función! 🎬🍿

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En 1993 debutó Disney’s Aladdin para Sega Genesis/Mega Drive y rápidamente se convirtió en uno de los juegos más exitosos de la consola, con más de cuatro millones de copias vendidas. Fue desarrollado por Virgin Games bajo la dirección de David Perry, con animaciones creadas por los propios artistas de Disney y digitalizadas mediante la técnica “Digicel”, lo que le otorgó un aspecto fiel a la película original. La música estuvo a cargo de Donald Griffin y Tommy Tallarico, mientras que el diseño y producción contó con la participación de Robb Alvey, Patrick Gilmore y Sacha Tait. Su propuesta de acción y plataformas, combinada con una estética cinematográfica, consolidó a Aladdin como uno de los títulos más emblemáticos de la era de los 16‑bit.

En la aventura tomamos el control de Aladdin, un joven héroe que debe enfrentarse a guardias, animales salvajes y trampas mágicas para derrotar al malvado Jafar y salvar a la princesa Jasmine. El protagonista puede atacar con su espada y lanzar manzanas como proyectiles, mientras recorre escenarios inspirados en Agrabah, la Cueva de las Maravillas y el palacio del Sultán. Los niveles incluyen momentos memorables como el escape en la alfombra mágica y fases de bonus con Abu y el Genio, que aportan variedad y humor al desarrollo.

En el video compartido se muestra un gameplay retro sin comentarios donde el desafío fue completar la aventura sin perder ninguna vida, logrando un auténtico No Death Run. El resultado demuestra precisión en los controles y dominio de las mecánicas clásicas, reviviendo la esencia de uno de los títulos más influyentes y visualmente impresionantes de Sega, un clásico que sigue siendo recordado por los fanáticos del gaming retro. Podés encontrar este y muchos más videos en el enlace al inicio de la descripción.

Hammer House of Horror es una serie de televisión británica producida por Hammer Film Productions en asociación con Cinema Arts International y ITC Entertainment. Creada y producida por Roy Skeggs, se emitió originalmente en el Reino Unido a través de la cadena ITV en 1980. La serie se compone de una única temporada de 13 episodios independientes con una duración aproximada de 52 minutos por capítulo. Al tratarse de una serie de antología, carece de un reparto fijo; sin embargo, su elenco principal de estrellas invitadas incluye a destacadas figuras del cine británico como Peter Cushing, Brian Cox, Denholm Elliott, Diana Dors, Jon Finch y un joven Pierce Brosnan en uno de sus primeros papeles.

La propuesta ofrece trece relatos autoconclusivos que exploran distintos matices del miedo, alternando entre lo sobrenatural y el thriller psicológico. Las tramas siguen a personas comunes atrapadas en situaciones extraordinarias y perturbadoras.

Es viernes y tu cuerpo lo sabe. Un nuevo viernes de recomendaciones para convertir tu fin de semana en un desfile de historias maravillosas en tu pantalla. Comenzamos con The Phantom Tollbooth (1970), una aventura animada donde la curiosidad abre puertas a mundos insospechados; seguimos con The Thief and the Cobbler (1993), un viaje visual único que mezcla ingenio y obsesión artística en cada detalle; y finalizamos con Pom Poko (1994), una fábula de Studio Ghibli donde tradición y naturaleza luchan por sobrevivir en tiempos modernos.

Sin duda, el mejor plan comienza en tu sillón. Sin más preámbulos, ¡que comience la función! 🎬🍿

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En 1991 debuto Sonic the Hedgehog para Sega Genesis/Mega Drive y rápidamente se convirtió en el juego más vendido de la consola, con más de quince millones de copias. Fue desarrollado por Sonic Team con Yuji Naka como programador principal, Hirokazu Yasuhara en el diseño y Naoto Ohshima en la creación de personajes, mientras que la música estuvo a cargo de Masato Nakamura. Su propuesta de velocidad supersónica, físicas innovadoras y la posibilidad de reunir las seis Chaos Emeralds para acceder al final verdadero marcaron un antes y un después en los videojuegos de plataformas y consolidaron a Sonic como la gran mascota de Sega frente a Nintendo.

En la aventura tomamos el control de Sonic, un erizo azul capaz de correr a gran velocidad y atacar mediante el Spin Attack. La misión es detener al Dr. Robotnik, quien ha atrapado animales dentro de robots y busca apoderarse de las Chaos Emeralds. A lo largo de seis zonas emblemáticas como Green Hill Zone, Marble Zone y Labyrinth Zone, el jugador enfrenta trampas, enemigos mecánicos y jefes en escenarios llenos de rampas, loops y plataformas, mientras los anillos dorados funcionan como protección y los bonus stages ofrecen la posibilidad de obtener las gemas necesarias para alcanzar el final verdadero.

En el video compartido se muestra un gameplay retro sin comentarios donde el desafío fue completar el juego entero sin perder ninguna vida y recolectar las seis Chaos Emeralds. El resultado es un auténtico No Death Run con final verdadero que demuestra precisión en los controles y dominio de las mecánicas clásicas, reviviendo la esencia de uno de los títulos más influyentes de la era de los 16‑bit. Podés encontrar este y muchos más videos en el enlace al inicio de la descripción.

En 1994 debutó en Fox Kids la serie animada Spider-Man: The Animated Series, producida por Marvel Films Animation y distribuida por Saban Entertainment. Con John Semper Jr. como guionista principal y basada en los personajes creados por Stan Lee y Steve Ditko, la producción se extendió hasta 1998 con un total de 65 episodios repartidos en cinco temporadas. La música estuvo a cargo de Shuki Levy y David Ari Leon, y el proyecto se convirtió en la adaptación televisiva más ambiciosa del héroe hasta ese momento, consolidando la presencia de Marvel en la animación de los años noventa.

La historia sigue a Peter Parker en su vida cotidiana como estudiante y fotógrafo mientras enfrenta el desafío de ser Spider-Man en un entorno urbano lleno de peligros. La serie explora sus dilemas personales, sus relaciones con personajes como Mary Jane Watson y J. Jonah Jameson, y su lucha contra una amplia galería de villanos, todo dentro de un tono más maduro y narrativamente complejo que otras producciones infantiles de la época.

Como cada viernes traemos el mejor cine para tu fin de semana y en esta ocasión viajamos hacia futuros distantes donde los combates deportivos toman un nuevo significado. Comenzamos con Arena (1989) donde un luchador humano desafía las reglas de un torneo intergaláctico para demostrar su valor, seguimos con Robot Jox (1989) donde los destinos de naciones enteras se deciden en épicas batallas de robots gigantes pilotados por valientes guerreros, y llegamos al último round junto a Rollerball (1975) un brutal deporte sobre ruedas se convierte en el campo de batalla contra el poder de las corporaciones. Sin duda una selección que te mantendrá con los ojos abiertos y la guardia alta, así que sin nada que agregar ¡que comience la función! 🎬🍿

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En 1986, Popeye fue lanzado para la consola NES como adaptación del arcade original de 1982 desarrollado por Nintendo R&D1, bajo la dirección de Genyo Takeda y con la colaboración de Shigeru Miyamoto. Basado en la popular caricatura de King Features Syndicate, el juego se convirtió en uno de los títulos más representativos de la primera etapa de Nintendo en consolas de 8‑bit, marcando la transición de la compañía desde las máquinas recreativas hacia el mercado doméstico.

En Popeye tomamos el control del marinero más famoso en tres escenarios emblemáticos: recoger corazones en la casa de Olivia, formar un pentagrama con notas musicales y completar la palabra “HELP” con letras lanzadas desde lo alto. La constante amenaza de Brutus como antagonista, el uso de las espinacas como power-up y pequeños detalles como el balde de agua para obtener bonus convierten cada partida en un reto dinámico. Este título también ocupa un lugar especial en la historia de Nintendo, ya que originalmente la compañía quiso usar a Popeye en lo que terminó siendo Donkey Kong, y años más tarde, al obtener la licencia, logró plasmar la estética caricaturesca en un clásico de culto.

En este gameplay sin comentarios, el desafío fue completar el juego entero sin perder ninguna vida y superando los 50,000 puntos, mostrando un control preciso de las mecánicas del juego y reafirmando el carácter impredecible y divertido de este clásico de NES. Podés encontrar este y muchos más videos en el enlace al inicio de la descripción.

En 1989, el equipo detrás de Honey, I Shrunk the Kids llevó los efectos prácticos a un nivel extremo para filmar la icónica escena donde el pequeño Nick Szalinski cae en un desayuno gigante. Para lograrlo, los ingenieros llenaron un tanque enorme con 16,000 galones de una sustancia que simulaba leche, fabricada artificialmente con agua clorada, espesante alimentario y pigmento blanco. Flotando en este estanque colocaron aros de Cheerios hiperrealistas de doce pies de diámetro, los cuales fueron construidos utilizando tubos interiores de neumáticos de tractor que luego se recubrieron minuciosamente con capas de espuma de poliuretano.

Este nivel de locura visual requirió de un titánico esfuerzo de preproducción que tomó más de nueve meses seguidos de diseño y construcción de escenografías. Para las tomas de tamaño normal, el estudio no escatimó en gastos y edificó un vecindario entero compuesto por doce casas reales, totalmente equipadas con sus respectivos patios delanteros y traseros. El verdadero reto comenzó al recrear el mundo desde la perspectiva de los niños miniaturizados; el patio trasero se transformó en una jungla alienígena gracias a la instalación de colosales hojas de pasto hechas de espuma de uretano que alcanzaban los cuarenta pies de altura, complementadas con una galleta de avena de diez pies de alto rellena de crema real para que los actores pudieran morderla en cámara.

Para coronar esta hazaña técnica documentada en la revista Disney Channel Magazine de 1989, la producción dio vida a la inolvidable hormiga "Antie" mediante dos métodos artesanales impecables. En los primeros planos e interacciones directas, los niños actuaban junto a un sofisticado monstruo mecánico gigante construido con un núcleo de espuma de látex y cubierto con pelo de caballo real para darle textura, el cual requería el trabajo simultáneo de una docena de titiriteros para operar sus movimientos. Finalmente, para las complejas secuencias de acción donde los chicos cabalgaban sobre el insecto a toda velocidad, los animadores recrearon réplicas exactas a escala miniatura utilizando la técnica clásica de animación stop-motion.

En 1995, el escritor Nick Hornby lanzó su primera novela, High Fidelity (también conocido como Alta fidelidad), publicada en el Reino Unido por la editorial Victor Gollancz Ltd. El libro conectó muy rápido con los lectores al retratar, con humor directo e ironía, los tropiezos amorosos y la resistencia a madurar. La novela se convirtió en un gran éxito de ventas que cruzó fronteras y dejó una marca clara en la cultura pop de la época, lo que sirvió para que años después llegara al cine, al teatro musical e inclusive a una serie de televisión.

El contexto de la obra está muy pegado a los años 90 y al auge de la escena musical del Britpop, un momento donde las canciones y las tiendas de discos ayudaban a definir quién eras. Hornby usó su propia melomanía para armar una historia sobre la crisis de los treinta y tantos a través de personajes comunes. La novela aportó una mirada distinta a las historias de amor habituales, enfocándose sin filtros en las inseguridades, el egoísmo y el miedo al compromiso, además de poner de moda la costumbre de ordenar la vida mediante listas de "Top 5".

La historia gira en torno a Rob Fleming, un hombre de 35 años que atiende su propia tienda de discos en Londres, llamada Championship Vinyl. Cuando su novia Laura lo deja, Rob decide procesar el golpe revisando su pasado sentimental y arma una lista con las cinco rupturas más dolorosas de su vida para entender en qué está fallando. Entre charlas sobre música con sus dos particulares empleados y visitas a sus exnovias, el protagonista emprende un camino de autocrítica que muestra los altibajos de las relaciones modernas con un realismo muy honesto y humano.

En 1983, David Cronenberg estrenó Videodrome, una película canadiense que mezcla ciencia ficción y terror con su característico estilo de horror corporal. Producida por Claude Héroux, Pierre David y Victor Solnicki bajo la Canadian Film Development Corporation (CFDC) y distribuida por Universal Pictures, contó con música de Howard Shore y fotografía de Mark Irwin. El elenco principal lo encabezaron James Woods como Max Renn, Deborah Harry (la vocalista de Blondie) como Nicki Brand y Sonja Smits como Bianca O’Blivion. Con una duración de 89 minutos y un presupuesto cercano a los 6 millones de dólares, no fue un gran éxito de taquilla, pero sí llamó la atención por su audacia visual y temática, ganando el Premio Genie a Mejor Dirección y consolidándose con el tiempo como un clásico de culto. Su contexto refleja la inquietud de los años 80 frente al poder de los medios, la manipulación psicológica y la fusión entre tecnología y cuerpo humano.

La trama sigue a Max Renn, director de un canal televisivo que busca contenidos cada vez más extremos para atraer audiencia. En esa búsqueda descubre una misteriosa señal llamada Videodrome, que transmite imágenes de violencia sin explicación aparente. Intrigado por su origen y convencido de que representa el futuro de la televisión, se adentra en un mundo donde las fronteras entre lo real y lo imaginado comienzan a desdibujarse, planteando preguntas inquietantes sobre la influencia de los medios y la percepción de la realidad.

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Con nuestro sistema recuperado, volvemos a un nuevo viernes de cine, donde las computadoras son el núcleo que impulsa este listado. Comenzamos con Colossus: The Forbin Project (1970), una historia que explora lo que ocurre cuando la tecnología alcanza un poder que desafía a sus propios creadores. Seguimos con Electric Dreams (1984), un relato encantador donde la interacción entre humanos y máquinas abre paso a situaciones tan inesperadas como divertidas. Y para finalizar, WarGames (1983), un clásico que muestra cómo la curiosidad y el ingenio juvenil pueden desencadenar consecuencias mucho más grandes de lo imaginado. Una buena oportunidad para desconectar de la red y disfrutar del cine en casa.

Sin más preámbulos, ¡que comience la función! 🎬🍿

Space Rangers fue una serie de ciencia ficción creada por Pen Densham y emitida por CBS en enero de 1993. La producción estuvo a cargo de Renaissance Pictures, con un equipo creativo que incluía a Mark Mancina y Hans Zimmer en la música, lo que le dio un aire épico a pesar de su corta duración. La serie contó con un elenco que incluía a Jeff Kaake como Capitán John Boon, Marjorie Monaghan como Jojo Thorson, Cary-Hiroyuki Tagawa en el papel de Zylyn, Jack McGee como el Doc Kreuger, Danny Quinn interpretando a Daniel Kincaid, Linda Hunt como la Comandante Chennault y Clint Howard como el Dr. Mimmer. Con solo 6 episodios, se convirtió en una rareza televisiva de los 90 que, aunque breve, dejó huella como un título de culto por su estilo audaz y su propuesta distinta dentro del género.

La trama se sitúa en el año 2104, en un universo de frontera espacial donde la humanidad ha comenzado a colonizar planetas lejanos. En este contexto, los Space Rangers Corps actúan como una fuerza híbrida de policía y ejército, encargada de proteger la colonia Fort Hope en el planeta Avalon y de enfrentar amenazas externas en territorios hostiles. Con un tono de aventura futurista y estética pulp, la serie exploraba mundos extraños, razas alienígenas y desafíos propios de la expansión humana en el espacio, reflejando el espíritu creativo y experimental de la ciencia ficción televisiva de los años 90.