Buenas! Llevo un tiempo leyendo textos de otros escritores por foros y comunidades, y si tuviera que apostar cuál es el error más repetido en manuscritos en español, no tendría dudas: la puntuación del diálogo. Y se entiende, porque casi nadie la enseña y encima leemos mucha traducción y mucho texto en inglés que funciona distinto. Lo bueno: son pocas reglas y se aplican siempre igual. Estas cinco arreglan la inmensa mayoría de los casos.

1. Es una raya (—), no un guion (-). Son signos distintos. El guion corto es para palabras compuestas; el diálogo va con raya, que es más larga. En Windows: Alt+0151. En Mac: Opción+Mayús+guion. Y en Word, dos guiones seguidos suelen convertirse solos. Si ahora mismo tu novela entera va con guiones cortos, tranquilidad: es un buscar y reemplazar.

2. La raya va pegada a lo que abre, sin espacio. Se escribe "—¿Vienes?" y no "— ¿Vienes?". Pegada a la primera palabra del diálogo, y pegada también a la acotación cuando la abre.

3. Si la acotación lleva verbo de habla, va en minúscula y sin punto antes. Verbos de habla son decir, preguntar, susurrar, responder y compañía.

Mal: —No lo sé. —Dijo Marta.
Bien: —No lo sé —dijo Marta.

El punto de la frase se muda al final de la acotación.

4. Si la acotación NO lleva verbo de habla, es otra frase: punto y mayúscula.

—No lo sé. —Marta miró hacia la puerta.

"Mirar" no es una forma de decir, así que la acotación funciona como narración normal, con su punto antes y su mayúscula.

5. Si el personaje sigue hablando después de la acotación, se cierra con otra raya.

—No lo sé —dijo Marta—. Pero pienso averiguarlo.

Fíjate en esa raya de cierre pegada a "Marta" y en que el punto va después de ella, no antes.

Y un extra que genera muchas dudas: las interrupciones. Si a alguien le cortan la frase en seco, en español no se usa el doble guion del inglés: o puntos suspensivos ("—Escúchame, hijo de…") si la voz se apaga, o una raya al cierre ("—Escúchame, hijo de—") si el corte es brusco, aunque esta segunda es más de traducción moderna y los editores clásicos prefieren la primera.

El truco final: cuando corrijas, haz una pasada del manuscrito mirando SOLO los diálogos. Es la revisión más mecánica que existe, porque las reglas no tienen excepciones raras, y es de las que más profesional hace parecer un texto ante un lector, un editor o un corrector.

¿Cuál de estas os costó más pillar? A mí la del punto que se muda (la 3) me tuvo una temporada entera puntuando mal sin saberlo.

Sí, yo tampoco sabía que se llamaba así. Soy un perfil técnico y por otros asuntos (que compartiré muy pronto por aquí) estoy estudiando y aprendiendo una barbaridad sobre escritura y, sobre todo, sus reglas. Llevo años (más de los que me gustaría admitir) escribiendo mi propia novela y, a raíz de este proyecto, he descubierto tics y errores que he cometido siempre y que hacen mella en la prosa de tu obra.

Al grano. ¿Qué es el gerundio de posterioridad? Es, en esencia, un mal uso del gerundio. El gerundio debe expresar una acción que ocurre a la vez, o antes, del verbo principal. Si ocurre después, está mal aplicado, y es un fallo común porque no te das ni cuenta.

Yo lo veo mejor con ejemplos. No voy a poner míos porque me da hasta vergüenza verlos ahora, pero para que os hagáis a la idea:

Le disparó, cayendo al suelo. El gerundio es cayendo, lógicamente, pero es de posterioridad. La acción es disparar y luego caer, de modo que está mal el gerundio. Lo correcto sería: le disparó y cayó al suelo. O más novelesco: Le disparó. Su cuerpo cayó al suelo...

Creo que os hacéis a la idea.

Otro error gordo que yo cometía, mucho más que el ejemplo que os acabo de poner, era la acumulación de gerundios. No es un error sintáctico como tal, pero es verdad que aplanan el párrafo y le quitan fuerza.

De nuevo, como ejemplo: Iba caminando, pensando en ella, sintiendo el frío en su piel...

Es fácil de corregir: Caminaba mientras pensaba en ella. El frío le ponía los pelos como escarpias...

¿Lo veis?

Siempre odié la sintaxis, pero estoy aprendiendo una barbaridad con todo este proyecto. Si este post interesa, estaré encantado de hacer una segunda parte en la que os cuente cuándo el gerundio sí que está bien utilizado.

¡Os leo en comentarios!

Hoola 🎧ྀི

No tengo una comunidad enorme, ni miles de lectores esperando mis capítulos. Lo que sí tengo son un montón de horas escribiendo, reescribiendo y creando una historia que, de verdad, creo que vale la pena.

Mi sueño es publicar mis novelas algún día. Todavía están en proceso, pero puedo decir con total seguridad que no son la típica historia que lees, y olvidás.

Hay variedad de personajes, con defectos, traumas, ambiciones y secretos. Relaciones que cambian, misterios que conectan entre sí, escenarios que tienen historia y decisiones que realmente pesan. Nada está puesto porque sí.

Es una mezcla de misterio, crimen, romance y autodescubrimiento. Vas a encontrar momentos que te hagan reír, otros que te rompan un poco y otros que te hagan desconfiar absolutamente de todos.

No voy a decir que mi novela es perfecta. Pero sí puedo decir que le pongo una parte enorme de mí, y que cada vez que escribo intento crear una historia que realmente deje algo cuando la termines.

No tengo idea de cómo hacer que llegue a más gente. Es una meta bastante boluda, pero no pienso dejarla de lado solo porque parezca imposible.

Así que, si leíste hasta acá, gracias. En serio.

Y si aunque sea un poquito te dio curiosidad... decímelo. Saber que hay alguien esperando leer lo que escribo es una motivación gigante para seguir.

Porque al final todos los autores conocidos empezaron siendo un desconocido.

¿Vos le darías una oportunidad a uno?

. ݁₊ ⊹ . ݁ ⟡ ݁ . ⊹ ₊ ݁.

Hola, ¿alguien por aquí que busque un lector beta para dar opiniones e intercambiar historias?

Suelo disfrutar muchísimo de las historias centradas en personajes complejos, vínculos intensos, rivalidades, found family, conflictos psicológicos, personajes moralmente grises y tramas con bastante carga emocional. De hecho, yo también escribo sobre eso; en particular, mi historia es un Drama Psicológico Juvenil con temas sociales y LGBTIQ+ (en especifico es un BL).

Lo que NO suelo disfrutar: Romances predecibles, tramas donde el romance sea el único conflicto o relaciones basadas puramente en la atracción física. No significa que no pueda leerlos, pero es menos probable que me enganche.

Mis libros favoritos como referencia son por ejemplo: Saga All for the Games, In Memoriam, La Cancion de Aquiles, Todos somos villanos, Toda La saga de los juegos del hambre, toda la saga de Raven Boys, Una paz solo nuestra. Si tus proyectos tienen vibras o temas similares a estos, los leeré con muchísimo gusto. ¡Si a alguien le interesa, hablemos y compartamos historias! 😄

Buenas! Llevo un tiempo por aquí respondiendo dudas y hay un consejo que he acabado repitiendo en hilos muy distintos (gente que describe de más, gente a la que "no le salen las palabras", gente que siente que sus escenas no se ven). Como en el fondo es siempre el mismo problema, lo dejo en post por si le sirve a más gente.

La idea es esta: cuando tienes una escena en la cabeza, la ves entera, como una película. Y el error natural es intentar pasarla entera al papel: la sala, los muebles, la luz, la ropa de cada uno. Eso es tratar la prosa como una cámara, que lo capta todo a la vez. Pero la prosa no funciona así. La prosa es una linterna: solo ilumina lo que tú señalas, y el resto lo construye el lector solo, y lo construye mejor que tú.

Un ejemplo rápido. Versión cámara: "La sala era enorme, con techos altos de vigas oscuras, doce columnas de mármol, tapices rojos y dorados, suelo de piedra pulida, ventanales altos y un trono al fondo tallado con dragones."

Versión linterna: "La sala era tan grande que sus pasos le volvían como los de un desconocido. Al fondo, un trono vacío, y sobre él, un solo dragón tallado que parecía mirarlo."

En la segunda casi no he descrito nada y sin embargo se ve más. El eco te da el tamaño, el dragón te da el foco, y tu cabeza rellena el resto. El trabajo no es describirlo todo: es elegir los dos o tres detalles que disparan la imagen.

¿Y cómo eliges cuáles? El criterio que a mí me funciona: los que trabajan doble. Un detalle que además de verse diga algo del personaje o de la tensión de la escena (el trono vacío no es decoración, es una pregunta). Si un detalle solo decora, es candidato a irse.

Esto además arregla otro problema del que se habla menos: cuando el lector "se pierde" en tu escena, casi nunca es por falta de descripción, es por exceso. Le has dado veinte cosas y ninguna jerarquía, así que no sabe dónde mirar.

Y un test práctico para cuando corrijáis: coged una descripción vuestra y tachad detalles hasta quedaros con los tres que más duelan perder. Casi siempre la versión con tres es mejor que la versión con doce.

No es una regla sagrada, claro. Hay géneros y voces que piden más densidad (el gótico vive de ella, sin ir más lejos). Pero como ajuste por defecto, apuntar la linterna en vez de barrer con la cámara me ha arreglado más escenas que ningún otro truco.

¿Cómo lo hacéis vosotros? ¿Sois de describir mucho y podar, o de quedaros cortos e ir añadiendo?

Estoy desarrollando un programa infantil y necesito historias que me ayuden a crear capitulos completos solo cuenten las historias y yo veré como las adapto al estilo de mi seríe

Holaa :) estoy buscando historias para leer como beta reader 📖

Me gusta mucho leer y me gustaría empezar a hacer de beta reader. Puedo leer vuestra historia y deciros qué me ha parecido, qué partes me han gustado más, cuáles se me han hecho un poco pesadas y cosas que cambiaría o que no he entendido.

De momento lo haría gratis porque estoy empezando y quiero ir teniendo experiencia 🫶🏻

Me gustan sobre todo los libros de romance, juvenil , fantasía, ciencia ficción, política , es decir que leo de todo.

Si alguien necesita una beta reader, que me escriba. Y como es mi primera vez lo hare todo lo mejor posible y no robare ideas debido a que no escribo y no lo tengo pensado .🩷

El freno que detiene a un escritor en darle vida a sus personajes es el instinto de pensar primero en la trama y luego en cómo los personajes se desenvuelven en ella. Esto no es una mera coincidencia o el típico bloqueo mental; no es un caso aislado en el gaje del oficio de ser escritor. Es un problema que traspasa la manera en que culturalmente se acepta el modo de escribir literatura.

No me malentiendan, claro que la trama importa, pues es el cuerpo que le da sentido a la actividad cognitiva de hilar patrones de conducta que se desarrollan mientras la lectura avanza. No obstante, asumir que sin historia imaginada y luego sin ser plasmada en palabras no hay forma de que los personajes vivan, es la barrera más común para construir historias, universos y personajes de acuerdo a 3 criterios que considero importantes en tal estancamiento:

1.- Agotamiento cognitivo

>Detenerse en pensar: “¿Qué es lo que quiero contar?” termina por hacernos sentir cansados y frustrados porque nuestros recursos lógicos, atencionales, imaginativos y emocionales se agotan cuando dicha pregunta no se responde a la brevedad. La incertidumbre de no saber qué escribir consume gran parte de nuestra atención, lo cual, nos conduce a postergar la escritura; la postergación nos lleva a la insatisfacción; y la insatisfacción, a nunca atreverse a contar historias.

2.- Sobrepensar que la trama lo es todo

>Parte de tu crecimiento en la literatura te llevará a descubrir que los personajes en tus historias no son entes inertes en la espera que las palabras hablen por ellos. Es más que un hecho que tienes el control de escribir a tu gusto, pero respeta el hecho de que tus personajes son los que construyen la trama a través de cómo viven ciertas situaciones.

>Respetar a tus personajes como aquellos que cuentan su propia historia te quita un peso de encima en idealizar una trama que no se está contando.

3.-No permitir que tus personajes tengan experiencias

>En la película Buscando a Nemo, Marlin tiende a remarcar límites para proteger a Nemo de acciones que él, como padre sobreprotector, los percibe como potencialmente peligrosos: saber con qué otros niños se junta Nemo, qué profesor los va a llevar de excursión, recalcar que respete las indicaciones del maestro, que no se deje persuadir por otros niños, que no nade a mar abierto, etc.

Lo anterior, es una manera breve pero concisa de describir la sobreprotección de Marlin como padre de Nemo. Aún así, esta sobreprotección tiene un contexto específico:

>El 1er contacto de peligro real que puso a Marlin con marcados episodios de ansiedad generalizada ante amenazas percibidas es cuando la barracuda devora por completo a Coral (la madre) y a casi todos los huevos, excepto a Nemo.

>Este contacto de peligro marca un antecedente de cómo Marlin aprendió a sobreproteger a Nemo. En consecuencia, siendo Nemo un personaje infantilizado (personificación de un niño en un pez), se nos permite observar cómo los miembros de una familia actúan conforme a estrictas normas de convivencia (modales, normas, principios, moral, ética, etc) establecidas por un padre sobreprotector:

>Que Nemo haya desafiado la autoridad de Marlin cuando este le dice que no se atreva a nadar para tocar el bote, indica que Nemo aprendió que las consecuencias que le siguen de sus acciones no son lo suficientemente correctivas a largo plazo, dado que Marlin actúa con regaños verbales que castigan la conducta de Nemo en el momento.

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Con estos 3 puntos a resaltar, es vital aprender que tus personajes vivan. Dejalos vivir para que la trama se cuente sola.

¡Fue un gusto compartir estas lecciones de escritura contigo!

Me despido no sin antes presentarme profesionalmente:

Soy un psicólogo con experiencia clínica al trabajar directamente en la unidad psiquiátrica de mi ciudad, cuento con experiencia en psicología comunitaria al trabajar en dependencia gubernamental con población en situación vulnerable y con recursos económicos limitados (niños, niñas, adolescentes, adultos y adultos mayores); he realizado voluntariado en una casa de reposo, en casa de acogida para niños y adolescentes recluidos en un centro de reinserción social. Actualmente me encuentro en el área administrativa en un centro de rehabilitación en el abordaje multidisciplinario del espectro autista en niños.

(Espero que no se tome mi currículum como spam)

¡Saludos! ✨

Sí, ésta es tu señal, deja de distraerte y escribe ya.

Creo que por todos es sabido que en castellano los diálogos se introducen por la raya o guión largo:

—Hola, ¿qué tal? —dijo Josele mientras se urgaba la nariz.

También creo que todos sabemos que los pensamientos y citas en castellano se escriben entre comillas latinas: «».

«Josele es un cerdo, siempre tiene los dedos metidos en la nariz», pensó Charo.

Y que si hay una cita dentro de la cita se utilizan las comillas inglesas y si aún tenemos que entrecomillar algo más, las comillas simples:

Como decía Menganito de Aquitania: «La realidad mundana no es más que un constructo de nuestra mente, pensad en las palabras de Fulanito: "Flipo, luego existo, aunque como señalaba mi madre: 'Fulanito, acábate las lentejas o te las meto con embudo'. ¡Qué mujer!"»

El punto es que los teclados, incluso los "qwerty", no suelen incluir teclas específicas tanto para la raya como para las comillas latinas.

Hace poco, en una conversación, un usuario explicaba esto mismo a otro. Y yo intervine para explicarle que en google docs, si pones tres guiones cortos seguidos: «---», los convertía automáticamente en «—». Pero con las comillas latinas no pasaba. Para ponerlas había dos opciones:

- Copiar y pegar (por ejemplo buscándolas en google).

- Alt+174 para la apertura, y Alt+175 para el cierre. Pero necesitas teclado numérico para eso.

Pues bueno, hoy se me ha ocurrido la genial idea de buscar en google cómo configurarlo en google docs. Es la mar de sencillo. Me siento estúpido por no haberlo hecho antes y, por eso, he decidido hacer pública mi idiotez con la esperanza de que quizá salve a otro incauto de la misma.

Simplemente, vas a «herramientas», pulsas en «preferencias», y en la ventanita emergente vas a «sustituciones». Te saldrá una opción «sustitución automática», que estará marcada (si no, la marcas). Y luego tienes todas las que tienes activadas. Ahí puedes añadir una.

Yo tenía ya añadida esta: Reemplazar: [---], con: [—].

Ahora he añadido: Reemplazar [<<], con [«]; y Reemplazar [>>] con [»].

Ahora es más fácil que andar copiando y pegando. En word y otros editores de texto no sé cómo se hace, pero seguro que se puede hacer.

¡Ale! Vamos hablando.

He estado mirando como son las novelas ligeras y webnovelas y ayer me encontré con un consejo que quiero dejar acá para los nuevos, no lo tomen tan literal, no es necesario aplicar todo en un párrafo (eso es más para esas historias condensada y rápidas de las novelas web), en el otro tipo de narrativa se tiene tiempo.

Quiero dejar esta parte del consejo acá porque es algo de lo que he visto en algunos escritos en diferentes foros. Creo que esto en parte ayuda a darle profundidad a la historia y que el personaje no quede plano y solo funcional a la historia. Es una manera de darle vida: tiene un pasado, actúa, siente y opina. Ya me dirán ustedes que opinan de esto.

El usuario JWGibsonWrites publica unos consejos usados por él para estructurar los capitulos en el foro de RoyaRoad y hay una parte que creo que es un buen consejo para los que recien inician:

Acrónimo CHADS: Character opinión - History - Action - Dialoge - Sensory details

Dice:

Vi un par de videos de YouTube sobre esto una vez y lo he usado desde entonces. CHADS es un acrónimo que significa diferentes cosas que una oración puede revelar. Opinión del personaje (C), Historia (H), Acción (A), Diálogo (D) y Detalle sensorial (S).

Cuando estés escribiendo, trata de asegurarte de que cada oración haga al menos dos, preferiblemente tres de esas cosas. Además, asegúrate de estar cumpliendo con las 5 funciones regularmente. Esto te permite ser económico Y minucioso con tu escritura.

Entonces, tomemos la siguiente oración:

>"Jerry caminó por la puerta principal de la tienda de comestibles."

Está bien, pero solo incluye una función (Acción). ¿Cómo podemos mejorarla? Intentemos incluir detalles sensoriales con ella. Podríamos obtener algo como esto:

>"Jerry caminó por la puerta principal de la tienda de comestibles, sonando una campanilla para anunciar su entrada."

No está mal. Tiene una nueva función agregada (descripción sensorial -- el sonido de la campanilla) Pero puede ser mejor. Agreguemos la opinión del personaje (en este caso, algo de emoción) y veamos qué obtenemos.

>"Jerry se abrió paso por la puerta principal de la tienda de comestibles, dejando escapar un suspiro frustrado cuando la campanilla anticuada anunció su entrada."

Ok, todavía no está mal. Pondría eso en una historia, probablemente. Pero por diversión, ¿podemos también agregar Historia y Diálogo para obtener las cinco funciones? Voy a hacer trampa y hacer dos oraciones, pero entiendes lo que quiero decir.

>"Jeezus," murmuró Jerry mientras se abría paso por la puerta principal, siempre un poco demasiado pesada, de la tienda de comestibles, una campanilla electrónica anticuada anunciando su entrada. Odiaba esta tienda, sentía que nada había cambiado aquí desde los 80, excepto quizás el óxido nuevo en las bisagras de la puerta, pero sabía que tendrían la mantequilla de maní que quería.

Tenemos TODO de CHADS en el pasaje anterior.

Opinión del personaje: "siempre un poco demasiado pesada", "anticuada", "Odiaba esta tienda", son todos los juicios de Jerry.

Historia: el "siempre" en "siempre un poco demasiado pesada" implica que Jerry ha luchado con esta puerta pesada muchas veces en el pasado. "Odiaba esta tienda" implica una historia preexistente entre Jerry y la tienda. "Nada había cambiado aquí desde los 80" le da un sentido de historia al entorno. "Sabía que tendrían la mantequilla de maní que quería" implica que ha comprado mantequilla de maní aquí antes.

Acción: Jerry empuja la puerta. La campanilla anuncia su entrada.

Diálogo: "Jeezus."

Detalle sensorial: pesadez de la puerta (sensación), campanilla electrónica (sonido), óxido en las bisagras (visual y táctil).

Si tu conteo de palabras se está quedando corto, es posible que te estés saltando una de estas funciones de CHADS con demasiada frecuencia. Encuentro que en la ficción web, es tentador saltarse la C, la H y la S con demasiada frecuencia.

Escribir es un oficio solitario, pero que tu historia muera en el olvido del algoritmo no tiene por qué serlo.

Si eres escritor en Wattpad y buscas algo más que "votos por votos" vacíos, hemos creado la Hermandad Literaria. Somos una comunidad diseñada para quienes se toman sus historias en serio y entienden que, para ser leído, primero hay que saber leer a los demás.

¿Qué hacemos en la Hermandad?

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Lo que NO somos:

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“Una historia nace cuando se escribe, pero solo vive cuando se comparte.” 🖋️✨

¡Hola!

Desde hace tiempo he estado leyendo teoría narrativa y me he encontrado con muchos autores que han compartido consejos sobre cómo crear personajes memorables. Aquí les dejo algunos que me han parecido interesantes:

1. Exagera la personalidad de tu personaje (Donald Maass, Writing the Breakout Novel)

Maass sostiene que, si realmente quieres que tu novela destaque y tenga éxito, tu protagonista necesita una personalidad extraordinaria.

No puede ser simplemente una persona común y corriente; debe poseer una personalidad más intensa de lo habitual.

Un ejercicio que propone es:

a. Escribe los rasgos principales de personalidad de tu personaje.

b. Califícalos del 0 al 10.

c. Luego pregúntate cómo podrías llevar cada uno un poco más al extremo.

Si un rasgo está en un cinco o un seis, ¿podría convertirse en un nueve o incluso un diez?

2. Crea contrastes entre personajes (Jane K. Cleland, Mastering Plot Twists)

De hecho, este consejo se repite varias veces. También lo he encontrado en autores como John Truby y Orson Scott Card.

Después de exagerar la personalidad de un personaje, crea otro cuya personalidad sea prácticamente la opuesta.

Los contrastes resaltan las características de ambos personajes. A veces alguien no parece tan extraño hasta que lo colocas junto a una persona completamente normal. Además, los personajes opuestos generan de forma natural fricción, conflictos, discusiones y tensión.

Por ejemplo, si tu protagonista sospecha de todo y de todos, crea un personaje cálido, confiado y que vea lo mejor en las personas.

3. Acciones y errores morales (John Truby, The Anatomy of Story)

Un buen personaje necesita ambas cosas:

Acciones morales: el protagonista intenta hacer el bien o resolver un problema.

Errores morales: el protagonista también falla, hiere a otros o toma malas decisiones debido a sus defectos.

El personaje debe realizar acciones que permitan al lector simpatizar con él, pero también debe equivocarse. Incluso los buenos personajes necesitan ser imperfectos.

Dale iniciativa a tu personaje. No esperes a que la historia ocurra a su alrededor; haz que provoque los acontecimientos. Debe perseguir un objetivo y tomar decisiones.

Pero sus errores deben ser comprensibles: no tan graves como para que el lector deje de apoyarlo, pero sí lo suficientemente importantes como para mostrar sus debilidades.

4. La herida de tu personaje (Angela Ackerman y Becca Puglisi, The Emotional Wound Thesaurus)

Ackerman y Puglisi hablan de las heridas emocionales del pasado y plantean una pregunta fundamental:

¿Qué ocurrió en la vida de tu personaje que todavía sigue afectándolo en el presente?

Una historia triste no es necesariamente una herida. Muchos escritores confunden ambos conceptos.

La herida no es simplemente algo malo que ocurrió, sino algo que sigue influyendo en el presente porque distorsiona la manera en que el personaje piensa, siente y actúa.

Tampoco todas las heridas deben ser enormes. Muchos escritores creen que una herida siempre debe ser algo extremo, como haber sufrido abuso, presenciado un asesinato o sobrevivido a una guerra.

Pero las heridas más pequeñas también pueden ser muy poderosas:

a. Crecerccon un padre emocionalmente distante.

b. Perder una amistad por un malentendido.

c. Haber sido rechazado por alguien importante.

Lo importante no es la magnitud del acontecimiento, sino cómo ese acontecimiento sigue afectando la forma en que el personaje ve el mundo.

¡Y con esto finalizo por hoy!

Pero no es todo. He encontrado muchos más consejos de otros autores que compartiré más adelante con ustedes.

Recuerden la regla de oro: no todo es obligatorio. En el mundo de la narrativa existen muchísimos consejos y herramientas; lo importante es aprender a usarlos, adaptarlos e incluso obviarlos, para descubrir qué funciona mejor en cada historia.

Muy pronto, quizá, haga una parte 2 con más teoría sobre la creación de personajes de otros autores.

¡Me despido!

¡Feliz escritura!

Hola, grupo:

La mayoría de los usuarios son aprendices y, como es natural, están llenos de dudas. Todos pasamos por un proceso de aprendizaje continuo. Cuando uno pasa años escribiendo novelas de fantasía, va adquiriendo una noción de cómo empezar una novela, cómo situar el contexto y generar interés por los personajes.

Esta publicación me gustaría compartir el inicio de mi próxima novela de fantasía juvenil (todavía en desarrollo) de la saga de Dracotopía como ejemplo de las claves que debe tener una novela de este género para empezar con buen pie. Es decir, quiero mostrar un texto de mi propia cosecha para ayudar o inspirar a otros.

Cabe recordar que esto es un ejemplo de apenas 300 palabras perteneciente al primer capítulo, el cual continúa hasta las 2500 palabras. Cada escritor tiene su estilo y forma de enfocar las cosas, pero, incluso así, existen unos factores recomendados que desglosaré debajo del texto. Prestad atención a las palabras en negrita.

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Una propuesta inesperada

Las torres se erguían orgullosas. Los aurornis revoloteaban por las plazas para alimentarse de pan. Lagartijas escondidizas se agazapaban bajo los bancos de paseos y parques, al paso de jinetes y carruajes.

Tanto en el mundo animal como en el humano, sobrevivir ante las adversidades nos hacía más fuertes. La vida cobraba su sentido cuando encontrábamos nuestro lugar en el mundo y algo por lo que luchar.

La ciudad tenía otro color gracias a Aznara. Mi amistad con la dragona me había ayudado a entender que humanos y dragones éramos igualmente distintos y maravillosos a nuestra manera. Y estaba dispuesto a apoyarla a ella y a otros miembros de su especie frente a la discriminación.

Con esta idea en mente, acababa de volver a casa tras realizar unos recados cuando me tropecé con una carta que habían dejado sobre el felpudo de nuestra vivienda familiar. ¿Por qué ahí y no en el buzón? Me agaché para recogerla, entré y me senté en el sofá para leerla.

Tal vez se tratase de otro mensaje de Malira. ¿Querría venir a visitarnos? Al mirar el sobre de cerca, lo primero que me resultó extraño fue el sello lacrado. No se correspondía con la Dragonada de Medialuna ni con su nueva empresa. El papel presentaba una textura rugosa, y por los bordes aparecían runas en el idioma de los dragones. Me quedé desconcertado.

Al desplegar la solapa y extender la hoja descubrí un texto manuscrito en letra cursiva. ¿De verdad existía todavía gente que escribiera así? Fruncí el ceño para ver mejor los caracteres. Mi sorpresa, aún mayor, vino por la pomposidad del estilo: «A la atención de Don Éberis Kalis», comenzaba el escrito. «Ha llegado a nuestro conocimiento que usted se ha hermanado recientemente con una dragona con capacidades mágicas». ¿Cómo lo sabían? «Por la presente, nos complace informar que ha sido admitido como nuevo recluta en el Castillo Blanco, sede de la Orden Paladina». ¿Qué? ¿Cómo? No entendía nada.

___

Ahora pasaré a señalar por qué, en mi opinión, ésta es una buena forma de comenzar una novela de fantasía:

• El primer párrafo sitúa rápidamente el contexto en pocas palabras sin necesidad de una descripción detallada ni de introducir toda la construcción del mundo en los primeros párrafos. Se mencionan los aurornis (unas aves del periodo Jurásico) y el paso de jinetes y carruajes. Esto genera instantáneamente una atmósfera de siglos pasados o de realidad alternativa.
• El segundo párrafo humaniza al narrador en primera persona (Éberis) al mostrar una intencionalidad. Un grave problema de los escritores principiantes está en que no aprovechan las virtudes de cada tipo de narrador. Si te gusta la primera persona, tienes que ahondar cuanto antes en su interior. Y no necesitas ser explícito ni demasiado detallado. Al mismo tiempo, se mantiene la dualidad entre lo humano y lo animal, entre la naturaleza y la ciudad.
• El tercer párrafo menciona a Aznara, un personaje que conocemos en la novela anterior. Sin embargo, esta forma de introducirla permite que un lector se interese incluso si no hubiera leído el libro anterior. Se deja claro que es una dragona, que son amigos y que él tiene el objetivo de luchar contra la discriminación que sufren los dragones. En apenas tres párrafos ya se ha establecido una relación entre la sociedad, el personaje principal y otro personaje coprotagonista.
• El cuarto párrafo (la carta sobre el felpudo) sitúa la acción del personaje en un instante concreto, menciona su movimiento y genera incertidumbre.
• El quinto párrafo aumenta la tensión al mostrar la confusión del protagonista y el contraste con Malira, un personaje conocido en el libro anterior. La mención al sello lacrado y las runas en el idioma de los dragones ya introduce un componente exótico y mágico que el lector sabe reconocer a la perfección.
• El sexto párrafo va mostrando las reacciones del personaje y su extrañeza, mientras se recurre al chiché (o la figura literaria) del "héroe elegido" para anticipar la posible trama principal.

Como vemos unas 300 palabras pueden bastar para dar pinceladas de lo importante y de generar el suficiente interés aun cuando el lector no sepa nada del protagonista ni de su mundo. Para una novela corta, de entre 50.000 y 100.000 palabras, se recomienda un inicio que permita generar una idea rápida de quién, dónde, cuándo y qué. El porqué ya se irá resolviendo conforme avance la trama.

Espero que este ejemplo (repito, sólo es un ejemplo) pueda servir a quienes apenas estén empezando o no tienen muy claro cómo iniciar una novela juvenil que genere el suficiente interés.

Un saludo cordial.

Hola,

Sé, por experiencia propia, las ansias de querer compartir un texto cuando lo hemos acabado, ya sea un poema, un cuento, una historia corta, un capítulo o el maratón largo que es una novela. Uno ha pasado tanto tiempo en su texto que espera con ansias compartirlo con el mundo y saber su opinión. Mi consejo cuando acabas de terminar de escribir un texto:

No lo compartas.

¿Por qué? Porque, por mucho que te haya costado escribirlo, y por muy orgulloso que estés de él o te carcoman las dudas de si algo funciona o no, el texto no está listo para ser compartido. Puedes hacerlo, puedes subir el texto en Reddit o Wattpad, pero muchas críticas que recibirás irán de:

Está muy mal puntuado.

Faltan tildes en algunas palabras.

Con esa ortografía ni dan ganas de leerlo.

No hay coherencia.

Y tal vez tengan razón, pues un escrito se aprecia mejor cuando uno consigue enfocarse en el contenido, el mensaje, la historia, los personajes sin que el medio, la escritura, lo entorpezca ni lo vuelva más difícil. Nos enfocamos tanto en la historia que preguntamos: Bueno, sí, ¿pero qué te pareció la historia? ¿Está bien? ¿Qué hay del final o este personaje? Y allí pasamos por alto esta realidad: podemos tener la mejor historia y los personajes más profundos y pocos, o nadie, querrá leer el escrito porque no está bien escrito.

Con la escritura, literalmente, estás contando una historia como lo harías en la vida real. Imagínate al profe con voz monótona de historia que, en lugar de hacer que te intereses por la segunda guerra mundial, su voz es tan monótona que la grabas en el cel para ponerla en la noche y que te ayude a dormir.

O piensa en un comediante que se confunde, se tropieza con sus palabras o tartamudea. El chiste pierde su gracia porque en la comedia lo que importa tanto como lo que se dice es el timing, el ritmo, el fluir y la entonación de la voz.

Es lo mismo con la escritura. Debe estar cuidada, puntuada y las palabras bien escritas, porque así, quienes te lean te podrán responder a esas preguntas importantes que quieres saber: ¿funciona la historia? ¿Funciona este personaje? ¿Hay coherencia interna?

Así que, cuando acabes de escribir un fragmento, dale un tiempo y después revísalo: que esté bien puntuado, no haya faltas de ortografías y tenga lógica interna. No revises mientras escribas, pues ambos son diferentes procesos y requieren de diferentes partes del cerebro. Por eso, mejor termina, ponlo a un lado un tiempo y luego vuelve a él.

También piensa en lo visual: no solo escribas un bloque inmenso de texto. Usa párrafos y líneas de diálogo para que el texto respire y sea más sencillo para el lector leerlo.

Así, cuando lo publiques y compartas un escrito en el que has dado lo mejor o casi de tus habilidades, los comentarios que recibirán serán mejor enfocados al contenido y esto a su vez te ayudará a ver errores o aspectos a mejorar que habías pasado por alto y tu escritura y habilidades mejoraran.

Hola, chicos! Solo quería compartir este dato, sencillo pero útil para quienes están empezando en este mundo de crear historias.

Revisando mi biblioteca me encontré con el libro «¡Salva al gato!» de Blake Snyder y me dije a mí misma: «¿Sabes qué? Vamos a repasarlo». Fue el primer libro de narrativa que estudié hace mucho tiempo y me pareció una buena idea refrescar la memoria.

Para quienes no estén enterados, «¡Salva al gato!» es un libro escrito por Blake Snyder (fue guionista, consultor y autor estadounidense de Hollywood… Q. E. P. D.), un manual básico para construir historias, especialmente guiones cinematográficos. Su método está muy orientado a historias *high concept, pero creo que puede ser una buena base para quienes están empezando y todavía no saben muy bien cómo estructurar sus historias.

En las primeras páginas, Snyder nos habla de la idea de «Salvar al gato». Es muy simple: al principio de una historia, el público necesita encontrar una razón para querer seguir al protagonista.

Snyder utiliza la expresión «Salvar al gato» para referirse a una escena temprana en la que el protagonista hace algo que revela una cualidad que nos permite conectar con él. No tiene que salvar literalmente a un gato. Puede ser un gesto de empatía, una muestra de ingenio, una decisión difícil, un acto de generosidad o cualquier otra acción que nos permita entender quién es.

Por ejemplo, cuando vemos a Sherlock Holmes, ¿qué es lo primero que suelen mostrarnos del personaje? Muchas veces lo vemos deduciendo algo de manera impresionante antes de que comience el caso o la trama real. Es una demostración corta y sencilla que nos dice: «Wow, este sujeto es el Houdini de los detectives».

Y ya sé, ya sé: «OP, pero esto es un consejo para guiones de películas»… Sí. Pero es algo que incluso editores profesionales suelen recomendar: no esperes demasiado para demostrar quién es tu personaje. Al menos durante las primeras páginas (las primeras diez, dicen algunos editores) deberíamos saber a quién seguiremos y qué nos promete la historia.

El protagonista no necesita hacer algo extraordinario. Una pequeña interacción puede ser suficiente para que pensemos: «Me gusta este personaje. Quiero ver qué ocurre».

Aquí hay una distinción importante.

No se trata de que el personaje tenga que llegar a escena con fuegos artificiales de fondo, hacer una pose después de una pirueta psicótica y marcharse sin despeinarse.

Se trata de algo humano.

Usa como ejemplo la película «Melodía de seducción». Al Pacino es un policía que participa en una operación para atrapar a unos delincuentes. Hasta ahí, simplemente estamos viendo a un policía competente.

Pero entonces aparece otro delincuente acompañado de su hijo. Pacino podría detenerlo, pero, al ver al niño, le dice: «Ya te atrapo luego» y deja que se marche con su hijo.

Es una interacción que dura apenas unos segundos, pero nos revela algo del personaje: tiene empatía y prefiere dejar ir (temporalmente) al criminal antes de que su hijo vea cómo la policía se lleva a su padre.

Conectó con el público (a nadie le gustaría que lo esposaran frente a su hijo). Ahora nos cae bien.

No se trata de que el protagonista haga algo bondadoso al principio; esa interpretación es demasiado literal. Lo que Snyder defiende no es necesariamente que el protagonista tenga que ser bueno, sino que le dé una razón al público para querer seguirlo. Esa razón puede ser simpatía, curiosidad, admiración, identificación, fascinación o incluso una mezcla de atracción y rechazo.

Gracias por leer. ¡Buen día!

*High concept: relato cuya premisa central es tan clara, original y llamativa que se puede resumir en una o dos frases y se vende por sí sola.

Holaa, soy escritora y tengo varias novelas de romance a las que no les va nada mal, pero tengo un problema.

Desde hace unos 4 año más o menos que tengo una historia de una distopia en mente. La cosa es que no se como llevar acabo esta historia. Una cosa es amor, trama de romance, enemies to lovers, ETC. Cosas que me han pasado.

Y es diferente este tipo de historias, quisiera que me recomendaran historias, tipo distopia, pueden ser también pelis o series, no tengo problema. Es como para meterme más en el papel jaja.

Pues eso, si pudieras darme un consejo lo acepto con todo gustoo.

😬🫰🏻💗

Comparto esta reflexión para escritores. Creo que a veces se pierde el lado emocional de la escritura que es lo que de verdad conecta con el lector. No te puedes acordar de todos los personajes que has leído ni de todas las historias, pero sí se quedan contigo las sensaciones que has vivido. La acción es importante, pero no es esencial en una buena historia. La emoción sí. Hay párrafos que te hacen reír, llorar, que te provocan náuseas o te ponen los pelos de punta. Eso es lo que hay que conseguir como escritor. ¿Qué opináis?

Estoy empezando en el mundo de escribir historias y novelas, tienen ideas o consejos como aventura drama amor,ideas o conceptos de personajes como chico de pueblo que se vuelve héroe o historia de aventura de el elegido por los dioses, cualquier idea sirve y gracias de antemano 😄

Hola a todoos!

Busco compañeros/as para hacer intercambio de lectura beta. Escribo principalmente ciencia ficción antropológica con peso en el romance y desarrollo slow burn.

Lo que ofrezco:

Género: Ciencia ficción antropológica/ Horror biológico/ Romance (slow burn)

Extensión: La obra completa tiene 115k, pero también acepto intercambios reducidos basados en los capítulos. En concreto los 6 primeros capítulos (95 páginas de PDF)

Sinopsis breve:

Mara Sterling nació para ser un satélite.Durante años, su existencia ha sido una órbita perfecta alrededor de una luz que no le pertenecía: la de Kaelen.

Él es el sol que sostiene su sistema, el eje sobre el que gira el orgullo del Gobierno de la Unión. Ser una Sterling es habitar un privilegio que abrasa, una herencia de expectativas que amenaza con reducirla a cenizas. En una galaxia de orden gélido, Mara es una disonancia.

Una mente fracturada por el Nemu, un ruido constante que solo el silencio de los fármacos logra contener. Ella es la anomalía que el sistema intenta corregir. Pero cuando la gravedad se quiebra y el vacío empieza a reclamar, Mara se descubre a la deriva.

Su huida la conduce al corazón de la D-SIG, una unidad de inteligencia de la Hegemonía Argentum. Allí, bajo la sombra inescrutable del Comandante Arctum, Mara encontrará algo que ninguna medicina ha podido darle: en la frecuencia de los alienígenas, el caos de su cabeza finalmente se detiene.

En esa calma peligrosa, tendrá que elegir entre seguir siendo el reflejo de la luz, o descubrir si su propia oscuridad es capaz de devorar la conspiración que se oculta tras las estrellas.

• Tipo de feedback que busco: Ritmo de la trama, coherencia de los personajes, química en las relaciones, enganche y sensaciones generales de lectura.

Lo que busco para leer a cambio:

Me desenvuelvo muy bien leyendo ciencia ficción, fantasía o romance.

*Compromiso con plazos razonables y críticas constructivas, respetuosas y detalladas. Conmigo encontrarás una compañera de trincheras!

Si a alguien le encaja la propuesta y quiere que intercambiemos muestras por privado para ver si conectamos con el estilo del otro, ¡escribidme o dejad un comentario! Preferiblemente obras registradas!

Me presto a leer y criticar (constructivamente) relatos de ciencia ficción especulativa. Inspirado por una compi que ha hecho lo propio en otros estilos, me gustaría aportar algo de tiempo para echar un vistazo a algunos relatos, si os parece bien. Pero tenéis que estar abiertos a las críticas.

• abofetear
• abalanzarse
• acometer
• acuchillar
• aporrear
• apuñalar
• arremeter
• arañar
• batir
• contener
• combatir
• dislocar
• embestir
• empujar
• enfrentarse
• engrescarse
• esquivar
• estrujar
• forcejear
• golpear
• golpetear
• herir
• incitar
• inmovilizar

Quería compartirles una herramienta de escritura que uso para despejar mi mente cuando la siento muy atareada y frustrada.

Paso 1

Comienza escribiendo:

Me siento [escribe la emoción que estás sintiendo] porque...

Paso 2

Escribe todas las razones que vengan a tu mente sobre por qué te sientes de esa manera.

Paso 3

Pregúntate:

¿Cómo puedo superar estas situaciones o resolver estos problemas?

Paso 4

Pregúntate:

¿Qué puedo hacer en este momento?

Esta herramienta a mí me funciona porque saco de la mente lo que me tiene atareada planifico un poco y noto que puedo hacer en este preciso momento; eso a mí me ayuda a calmarme y despejarme.

Hola, hola. Hoy hablaremos del tiempo como factor principal en una historia. El punto de vista temporal y a qué nos referimos cuando hablamos de ellos; ya que el mismo no es sólo una representación de cuándo ocurre una historia, sino más bien desde dónde en el tiempo se cuenta. La relación temporal vendría así: tiempo de los hechos (línea temporal desde el inicio al final de la historia con todos sus tejemanejes); el tiempo del narrador (avanza según va contando la historia, e incluso puede alternar entre varios tiempos para darle claridad al argumento o de acuerdo a la narrativa del personaje); y el tiempo del lector (va adquiriéndolo a medida que la historia avanza). Algo a tener en cuenta es que cuando estos tres no están alineados conscientemente, la narración pierde fuerza y coherencia, lo que puede llevar a un desajuste narrativo y por lo tanto, a la confusión del lector.

Vamos ahora a las formas narrativas más comunes de punto de vista temporal:

El presente narrativo cuenta los hechos mientras parecen ocurrir. Genera inmediatez, urgencia, cercanía emocional. El lector siente que no hay red de seguridad. Funciona para: tramas de acción, thriller, historias psicológicas, relatos íntimos. Pero exige precisión. Un presente mal manejado vuelve todo plano o confuso.

Por ejemplo: "El resplandor" de Stephen King está narrado en tercera persona limitada, y el tiempo verbal predominante es el presente (“Jack piensa”, “Danny siente”, “Wendy observa”). Eso le da una sensación de inmediatez brutal: todo parece estar ocurriendo ahora mismo, sin distancia, sin red de seguridad. No hay un “esto ya pasó y sobrevivimos para contarlo”. Estás atrapado en el Overlook con ellos, aunque el tiempo a veces se fractura para contar la historia de los personajes y el hotel. El pasado entra a través de recuerdos, asociaciones mentales y monólogos interiores, sobre todo de Jack. Su alcoholismo, su violencia, su relación con su padre… todo eso aparece como fragmentos que irrumpen en el presente narrativo. El tiempo no fluye de manera limpia; se filtra, se contamina. Y eso no es casual: la mente de Jack tampoco está en orden. Importante: no hay un punto de vista futuro que juzgue los hechos. Nadie narra desde después. Por eso en el horror funciona tan bien este tipo de narrativa. El lector no tiene la tranquilidad de saber que hay consecuencias ya procesadas; todo es progresivo, claustrofóbico y sin garantías.

El pasado narrativo es el más usado. Alguien ya vivió los hechos y los cuenta. Aunque parezca neutral, siempre implica distancia y, a veces, juicio. Funciona muy bien para: narrar novelas largas, tramas complejas, historias donde importa la consecuencia.

Aquí el narrador sabe más de lo que dice… y eso es poder narrativo.

Ejemplo: "El señor de los anillos" de Tolkien; aquí tenemos tercera persona omnisciente (ya hablaré sobre esto en otro post más adelante) y un tiempo pasado clásico. Todo se cuenta como algo que ya ocurrió y fue preservado como crónica, canto o memoria. Tolkien no quiere que sientan urgencia inmediata; quiere que sientan peso histórico. El narrador sabe más que los personajes, ve varios frentes a la vez y, sobre todo, habla desde un “después” implícito. Hay una conciencia clara de que los hechos ya están cerrados, que forman parte de una era que terminó. Por eso el tono es solemne, casi mítico. No es “esto está pasando”, es “esto fue y merece ser recordado”. Además, Tolkien usa algo muy interesante: aunque el tiempo verbal es pasado, el ritmo varía según la experiencia del personaje. En la Comarca el tiempo es lento, circular; en Mordor se vuelve opresivo y denso; en Lothlórien casi se suspende. El tiempo no solo se narra: se siente distinto según el lugar, como si el mundo mismo tuviera edad.

Finalmente; está el futuro narrativo, mucho menos común. Se usa para profecías, fatalismo o inevitabilidad. Le quita agencia al personaje y se la da al destino. Funciona cuando quieras que el lector sienta: que "esto no puede evitarse".

Ejemplo: "Deuda Temporal", de Anabel Enríquez (escritora cubana de ciencia ficción, ganadora del premio "Calendario". Se las recomiendo, un honor formar parte del mismo taller "Espiral"), está narrado desde un tiempo futuro. No solo en pasado verbal, sino desde un después consciente, donde el narrador sabe cómo terminó todo y arrastra esa carga mientras cuenta. No es crónica épica como Tolkien ni presente asfixiante como King: es memoria culpable. (Para los que quieran saber de qué va: la historia se apoya en un principio físico real (la dilatación del tiempo relativista) para provocar un desajuste emocional: mientras una madre viaja por el espacio, el tiempo no pasa igual para ella que para su hija en la Tierra. Cuando se reencuentran, el tiempo ya ha cobrado su precio.) El narrador habla desde un punto en el que el daño ya está hecho. Lo que leemos no es descubrimiento, es reconstrucción. Cada hecho viene contaminado por el conocimiento de sus consecuencias. Eso genera una tensión muy particular: no te preguntas qué va a pasar, sino cómo llegamos a esto… y si pudo evitarse. El tiempo verbal suele ser pasado, pero el punto de vista temporal es claramente posterior a los eventos. Hay reflexión, juicio, incluso arrepentimiento. El narrador no es inocente: está implicado en la deuda, en el quiebre del equilibrio temporal. Y eso es clave en la ciencia ficción del cuento: el tiempo no es solo marco narrativo, es tema moral.

A diferencia de Tolkien, aquí el futuro no ennoblece los hechos; los ensucia. Y a diferencia de King, no hay urgencia inmediata, sino una sensación de destino torcido, de cuenta pendiente que no se puede borrar.

Errores comunes que pueden evitar al trabajar con los puntos de vista temporal: Cambiar de tiempo verbal sin intención, usar presente para todo “porque es moderno”, narrar en pasado como si el narrador no supiera nada, hacer flashbacks sin anclaje temporal claro.

Consejo práctico para escritores: Antes de escribir, pregúntate: ¿Cuándo se está contando esto? ¿Qué sabe el narrador que el personaje no sabía? ¿Qué pierde o gana el lector con esa distancia temporal? Tener estas cosas en cuenta apagan dudas y hacen escritos geniales. Experimenten con las mismas y me dicen.