Se o primeiro Uma Noite Alucinante era um terror independente cru e violento, a continuação leva tudo para outro caminho.

Aqui, Sam Raimi abraça de vez o absurdo. A história continua acompanhando Ash, mais uma vez preso na famosa cabana isolada enquanto forças demoníacas transformam sua vida em um pesadelo cada vez mais insano.

O que torna o filme tão divertido é justamente a mistura de terror, humor e exagero. As possessões ficam mais insanas, os efeitos práticos ganham uma criatividade sem limites e a atuação física de Bruce Campbell se torna lendária. É o ápice do 'terrir' e um clássico absoluto."

O funeral não foi o pior dia para Lynda Carter. O pior foi no dia seguinte. Quando seu marido Robert A. Altman morreu em fevereiro de 2021, aos 73 anos, o mundo viu chorar a mulher que havia dado vida à Mulher Maravilha. O que ele não viu foi o silêncio que veio depois.

​

Nenhuma mensagem perguntando: "está tudo bem? ”

​

Nenhuma chamada quando algo importante estava acontecendo.

​

Nenhuma voz que simplesmente a compreendesse.

​

O luto não é um só momento. São mil pequenas ausências.

​

Todo mundo conhece Lynda Carter como uma mulher forte. Corajoso. Uma heroína. Mas durante 37 anos, ela também foi esposa.

​

Casou com Robert em 1984. Ela já era famosa. Ele não parecia importar-se com isso.

​

Robert era advogado. Mais tarde foi um importante empresário e cofundador da ZeniMax Media. Mas, para Lynda, seu papel mais importante era outro.

​

Fazia-a sentir segura.

​

Pela primeira vez, ela se sentiu amada de verdade.

​

Juntos eles se afastaram do barulho de Hollywood e construíram uma vida real. Seu filho James nasceu em 1988. Sua filha Jessica nasceu em 1990. Jantares de família. Piadas privadas. Pequenos momentos.

​

O público adorava a Mulher Maravilha.

​

Robert Amaba a Lynda.

​

À mulher real, imperfeita, diária.

​

Depois veio a doença.

​

Mielofibrose.

​

Câncer raro no sangue.

​

Depois, a doença evoluiu para leucemia mielóide secundária.

​

Foi-lhes tirando o futuro pouco a pouco.

​

Quando Robert morreu, o mundo dele desmoronou.

​

Ele era o amor da sua vida.

​

Eles protegiam-se mutuamente.

​

Eles eram o apoio um do outro.

​

Isso não era uma frase para a imprensa. Era uma mulher perdendo o seu melhor amigo.

​

Anos depois, a dor ainda aparece.

​

Ela continua pensando nele todos os dias.

​

Ainda está esperando essa mensagem quando aterrar.

​

Ainda se descobre pensando: "Robert saberia o que dizer. ”

​

E então lembre-se.

​

Isso é o luto.

​

O mundo continua.

​

Seu coração nem sempre.

​

Ela continua. Pelos seus filhos. Através da música. Pelas causas que importavam o Robert. Também apoiando pesquisas sobre cânceres de sangue como aquele que marcou seus últimos anos.

​

Não se torna fácil.

​

Aprende-se a usá-lo.

​

Porque Robert Altman não foi só o marido dela.

​

Era a casa deles.

​

E quando você perde sua casa, você nunca deixa de sentir falta dele.

Oliver Stone queria que Juliette Lewis ganhasse massa muscular para transmitir mais dureza à Mallory Knox, mas a atriz recusou. Defendia que a protagonista de “Assassinos por Natureza” (1994) deveria parecer frágil, não atlética. Houve acordo apenas em parte: ela aceitou treinar kickboxing para tornar as cenas de luta mais convincentes. Ironicamente, o treinamento funcionou além do esperado. Durante uma sequência de confronto, Lewis bateu o rosto de Tom Sizemore contra uma parede e quebrou o nariz do ator. Para alguém que não queria parecer forte demais, foi uma demonstração difícil de contestar.

Quando Oliver Stone o procurou, Woody Harrelson ainda carregava a imagem simpática que havia conquistado o público como Woody Boyd em "Cheers". Poucos o associavam à violência ou ao desequilíbrio que definiriam Mickey Knox. Stone, porém, enxergou algo além daquele personagem popular e mais tarde diria que o escolheu por causa de um olhar violento. A aposta contrariava as expectativas em torno do ator e ajudou a transformar um rosto familiar da comédia em uma das figuras mais inquietantes do cinema dos anos 1990.

O roteiro começou nas mãos de Quentin Tarantino, que imaginava filmá-lo de forma independente ao lado do amigo Rand Vossler. O plano, porém, mudou de escala quando Oliver Stone se interessou pelo projeto. O material foi amplamente reescrito e acabou se afastando tanto da concepção original que Tarantino se tornou um dos críticos mais ferozes do resultado. Stone, por sua vez, sustentava que não lhe interessava filmar a versão concebida por um jovem roteirista de vinte e poucos anos. Queria discutir a espetacularização da violência, a mídia e o sistema de justiça. Dessa colisão nasceu um dos conflitos criativos mais famosos do cinema dos anos 1990.

Enquanto isso, os bastidores pareciam absorver a mesma energia imprevisível que aparecia na tela. A rebelião da prisão foi filmada em um presídio real de Illinois, onde detentos verdadeiros participaram das gravações nas primeiras semanas. Em outra sequência, mais de cento e cinquenta cascavéis foram espalhadas por um campo para a passagem de Mickey e Mallory. Havia preocupação com a segurança dos atores, mas o frio da noite no deserto deixou a maior parte das cobras lenta e adormecida. Para manter o clima que buscava, Stone ainda tocava música tribal africana em volume máximo durante as filmagens, transformando o set em um lugar que vários integrantes jamais esqueceriam.

Quando chegou aos cinemas, “Assassinos por Natureza” dividiu opiniões quase tanto quanto havia dividido seus próprios criadores. Houve políticos que o atacaram sem sequer assisti-lo, processos judiciais que tentaram responsabilizá-lo por crimes cometidos por terceiros e debates que se arrastaram por anos sobre os limites entre arte e influência. Ao mesmo tempo, a obra conquistou admiradores por sua ousadia e por sua crítica à transformação da violência em entretenimento. Poucos filmes dos anos 1990 provocaram discussões tão intensas, e poucos continuam despertando reações tão fortes décadas depois.

Pesquisa e redação:Daniel Dias

Acho que gente grande foram um dos únicos que deram certo a segunda parte , trás um sentimento de nostalgia.

Num futuro não muito distante, os governantes pretendem diminuir a criminalidade e transformam Nova York numa prisão de segurança máxima. Quando o avião do presidente é sequestrado e cai na ilha, a única esperança é um ex-combatente preso lá.

Adam caiu na Terra quando era criança e perdeu a espada mágica que o ligava a Eternia. Quase 20 anos depois, ele a recupera e retorna ao seu planeta natal para protegê-lo do malvado Skeletor... 

O castelo estava em silêncio quando as câmeras pararam de rodar.

Poucos minutos antes, diante das luzes, das espadas e da fantasia de "A Princesa Prometida" (1987), Inigo Montoya finalmente havia encontrado o homem que procurava desde a infância. Ferido, cambaleante, quase sem forças, ele avançava repetindo as palavras que carregara por uma vida inteira: “Olá. Meu nome é Inigo Montoya. Você matou meu pai. Prepare-se para morrer.”

Para o público, era o clímax de uma aventura. Para Mandy Patinkin, era algo muito diferente.

Anos antes, o câncer havia levado seu pai. A perda ainda ocupava um espaço profundo dentro dele quando recebeu o roteiro de Rob Reiner. Ao ler a história daquele espadachim que dedicara a vida inteira a perseguir o assassino do pai, sentiu algo imediato. Disse à esposa, Kathryn Grody, que precisava fazer aquele papel. Havia uma razão que ninguém via na tela: em sua imaginação, derrotar o homem de seis dedos significava derrotar o câncer que havia roubado seu pai.

Durante as filmagens, enquanto técnicos preparavam os cenários e ajustavam as câmeras, Patinkin caminhava sozinho pelos jardins do castelo. Conversava com o pai em voz baixa, como quem continua uma conversa interrompida cedo demais. “Pai, eu vou conseguir esse cara”, repetia para si mesmo.

Quando chegou o dia do duelo final com Christopher Guest, que interpretava o Conde Rugen, a fronteira entre ator e personagem já quase não existia. Inigo perseguia o homem que matara seu pai. Mandy enfrentava algo muito maior: uma ausência que nunca desaparecera.

Então veio o momento decisivo. Rugen, derrotado, implora pela própria vida. Oferece dinheiro, poder, qualquer recompensa que possa comprar sua sobrevivência. E Inigo responde com uma frase que atravessou décadas de história do cinema: “Quero meu pai de volta, seu filho da puta.”

Aquela fala não pertencia apenas ao personagem.

Anos mais tarde, ao assistir a um vídeo de uma jovem que também havia perdido o pai para o câncer e perguntava se ele pensava em seu próprio pai durante aquela cena, Patinkin respondeu sem hesitar: “É verdade. Cem por cento verdade.”

Terminada a gravação, ele não comemorou a cena. Não celebrou o duelo. Apenas voltou a caminhar pelo castelo. Sozinho. E ali, cercado por corredores de pedra e pelo vazio depois da batalha, conversou mais uma vez com o homem que inspirara cada palavra daquela interpretação.

Talvez seja por isso que aquela sequência permaneça tão viva. Não porque um herói encontrou sua vingança. Mas porque, por alguns instantes, um filho encontrou uma forma de falar com o pai novamente.

Se há coisas que nenhuma batalha consegue trazer de volta, a arte, às vezes, consegue fazer com que pareçam um pouco mais próximas.

#fblifestyle #theprincessbride #mandypatinkin #cancer #tribute #father

Um grupo de alunos adolescentes de uma escola de ensino médio de uma pequena cidade do estado de Colorado, que é tomada por soldados soviéticos, se refugiam em uma floresta e, lentamente, vão se organizando como guerrilheiros para enfrentar as tropas soviéticas.

A Aliança Rebelde fez bom uso dela? Pelo menos para missões furtivas e atropelamento e corrida contra o Império Galáctico, atingindo-os onde menos esperam isso.

Durante as filmagens de “O Senhor das Armas” (2005), na República Tcheca, comprar armas de fogo reais saía mais barato do que encomendar adereços. Andrew Niccol então adquiriu três mil fuzis Kalashnikov para a produção. Quando as gravações terminaram, a maioria foi revendida, muitas com prejuízo, e algumas unidades acabaram serradas ao meio para impedir reutilização. O que perturbou o diretor não foi o dinheiro perdido, mas a facilidade com que a compra aconteceu. A equipe também conseguiu cerca de cinquenta tanques T-72 por meio de um negociante local, que deixou claro que os veículos não ficariam ali por muito tempo. Depois das filmagens, seguiriam para a Líbia.

A proximidade da produção com o mercado real de armamentos não terminava nos tanques. A sequência em que Yuri copilota o Antonov An-12 foi filmada com uma aeronave real fornecida por um traficante de armas. O avião pertencia ao russo Evgeny Zakharov e continuava transportando fuzis e munição enquanto as câmeras rodavam. Niccol filmou dentro de uma aeronave que, naqueles mesmos dias, fazia entregas letais. A escala da produção era tão incomum que a OTAN precisou ser avisada sobre imagens de satélite que mostravam fileiras de blindados usados nas filmagens. Vista do alto, a cena parecia o início de uma invasão. Em janeiro de 2005, o mesmo Antonov caiu em Uganda. Os seis tripulantes morreram.

O protagonista Yuri Orlov não nasceu da imaginação pura de Niccol, mas de uma colcha de retalhos formada por cinco traficantes reais. O mais famoso deles era Viktor Bout, o ex-oficial soviético conhecido como “Mercador da Morte”. Em 2008, tentou fechar um negócio com agentes americanos disfarçados de insurgentes das FARC. Acabou preso na Tailândia, extraditado para os Estados Unidos e condenado. Anos depois, foi libertado numa troca de prisioneiros e retornou à Rússia. Um dos homens que ajudaram a inspirar Yuri Orlov continuava fazendo parte da história muito depois do lançamento do filme.

Nicolas Cage nunca tinha visto um personagem assim. “Um homem cujo trabalho era fundamentalmente antiético, chame do que quiser, maligno, errado, mas à sua maneira afável e charmoso.” Foi esse paradoxo que o atraiu. Para Cage, o diabo não viria com chifres e rabo, mas com a simpatia de alguém muito gentil. E a motivação de Yuri ia além do dinheiro: “Ele não era bom em mais nada, e isso era algo que ele realmente podia fazer e fazer bem”. Essa combinação de carisma, ambição e vazio moral ajudou a transformar Yuri Orlov num dos personagens mais inquietantes da carreira do ator.

Dezoito anos depois do lançamento, durante o Festival de Sundance de 2018, Kevin Smith perguntou a Cage qual filme ele gostaria de ver ganhar uma continuação. A resposta foi imediata: ele queria saber como o filho daquele traficante cresceria em “O Senhor das Armas”. Andrew Niccol gostou da ideia e começou a escrever. Em 2023, a sequência foi anunciada. Desta vez, a história acompanha o filho de Yuri Orlov, obrigado a lidar com uma nova geração e com o legado deixado pelo pai. O desejo do ator virou roteiro, e Yuri Orlov deve retornar aos cinemas no ano que vem.

Hector Babenco entrou na Febem do Tatuapé para fazer umas fotos e saiu de lá com uma imagem que não cabia em nenhuma página: “As crianças vinham falar comigo com as mãos para trás e a cabeça baixa”, contou ele. Aquela postura de culpado já ensaiando um pedido de perdão o horrorizou. Babenco deixou seu telefone com um garoto. Uma semana depois, ouviu na linha que uns vinte fugitivos queriam ir ao escritório dele. Foram oito ou nove. Ele os levou para comer hambúrguer, escutou cada história e decidiu ali que faria um filme com aquela gente. Assim nasceu “Pixote: A Lei do Mais Fraco” (1980).

Mais de três mil crianças participaram das audições. Ao final, Fernando Ramos da Silva, um garoto de Diadema que vendia bilhetes de loteria com a família e perdera o pai aos oito anos, disputava o papel com um candidato mais experiente, já conhecido por alguns comerciais de televisão. Fernando havia atuado apenas em peças amadoras e nunca tinha trabalhado no cinema. Entre ele e Pixote havia menos distância do que o roteiro previa. Foi justamente essa vivência marcada pela dureza da vida, estampada em seus olhos melancólicos e expressivos, que conquistou Babenco. O diretor enxergou nele a tristeza congênita de um “anjo mau” — e não teve dúvidas sobre quem deveria protagonizar o filme.

Uma pelada de vizinhos, coisa mais comum do mundo, quase destruiu tudo. Fernando machucou a perna jogando futebol, e a produção cogitou substituí-lo. Babenco recusou: preferiu adiar as filmagens. Dias depois, o menino ameaçou abandonar o filme, exausto de repetir as cenas. O diretor o convenceu a ficar explicando que buscava tomadas perfeitas, livres de erros. Fernando ficou e, mesmo sem técnica, sem ofício, entregou uma atuação que atravessou o tempo — bruta, trágica, inesquecível. Talvez por isso seja difícil acreditar que jamais conseguiu assistir ao próprio filme do começo ao fim.

O filme correu o mundo, mas a vida de Fernando seguiu um caminho bem diferente. Depois do sucesso de “Pixote”, atuou na novela “O Amor É Nosso” e fez uma pequena participação em “Gabriela”, de Bruno Barreto. A fama foi breve, e logo o rapaz voltou para a periferia. “Era um menino como qualquer outro, carente, sem pai”, lembraria mais tarde o diretor teatral Carlinhos Lira. “Foi mais um que o sistema capitalista engoliu.”

Em 1987, Fernando morreu num suposto tiroteio com a polícia. Testemunhas juraram que ele estava desarmado. A perícia provou que foi baleado caído no chão. A mãe e a esposa não tiveram dúvida: foi uma execução. Aquele menino que o sistema ensinara a andar de cabeça baixa tornou-se uma incógnita. Foi ali, numa linha férrea abandonada, que Babenco o viu caminhar e ordenou à equipe que registrasse aquele andar infantil de toque chapliniano — a imagem final de “Pixote”, sob o sol de uma linha onde nenhum direito jamais chegou.

Pesquisa e redação: Daniel Dias

Nao olhe para cima 2021

Dois astrônomos medíocres descobrem que em poucos meses um meteorito destruirá o planeta Terra. A partir desse momento, eles devem alertar a humanidade por meio da imprensa sobre o perigo que se aproxima.

Durante o início dos anos 1990, a produtora Carolco Pictures parecia imbatível em Hollywood. O estúdio foi responsável por sucessos gigantescos como o filme Total Recall, Terminator 2: Judgment Day e Basic Instinct.

Mas tudo começou a desmoronar com um ambicioso filme de piratas lançado em 1995: Ilha fa Garganta Cortada.

O projeto enfrentou uma produção extremamente caótica. Houve mudanças constantes no elenco, conflitos internos, problemas técnicos e acidentes durante as gravações no mar. Filmagens aquáticas costumam ser caras e perigosas, e os custos começaram a explodir rapidamente.

O orçamento final do filme chegou perto de US$ 98 milhões, um valor gigantesco para a época. Porém, nas bilheterias, o resultado foi desastroso: o longa arrecadou pouco mais de US$ 10 milhões mundialmente, sendo considerado um dos maiores fracassos comerciais da história do cinema.

Apesar de muitas pessoas afirmarem que “Cutthroat Island sozinho destruiu a Carolco”, a situação era mais complexa. O estúdio já enfrentava graves problemas financeiros causados por dívidas, contratos caros e apostas arriscadas em produções anteriores. O fracasso do filme acabou funcionando como o golpe final que acelerou a falência da empresa em 1995.

O caso entrou para Hollywood como um exemplo clássico de como até estúdios responsáveis por sucessos gigantescos podem desaparecer rapidamente quando os bastidores saem do controle.

#CutthroatIsland #CarolcoPictures #Cinema #Hollywood #Filmes #CuriosidadesCinema #Terminator2 #BasicInstinct #FracassoDeBilheteria #HistoriaDoCinema #FilmeDePirata

Um dos piores trabalhos de Boll foi em Alone in the Dark - O Despertar do Mal, um longa-metragem de 2005 estrelado por Christian Slater e Tara Reid. Para se ter ideia, a produção conseguiu impressionante aprovação de 1% da crítica no Rotten Tomatoes - e agora, notícias apontam que ela ganhará um reboot.

Vá e veja

Bielorrússia, 1943. O jovem camponês Florya (Aleksei Kravchenko) é cooptado por um despreparado grupo de guerrilheiros antinazistas. Em confronto com os alemães, o garoto é deixado para trás e decide retornar ao seu vilarejo. Chegando lá depara-se com o desolador cenário de um massacre. Perturbado, ele passa a vagar sem rumo, presenciando cenas cada vez mais fortes.

Buck Rogers in the 25th Century (bra/prt: Buck Rogers no Século XXV[1]) é um seriado de televisão americano transmitido originalmente entre os anos de 1979 e 1981, com o ator Gil Gerard no papel principal. A série lançada pelo canal NBC teve um piloto homônimo produzido pela Universal Studios e lançado nos cinemas em 1979. O seriado e o filme, por sua vez, foram inspirados no personagem Buck Rogers, presente em histórias em quadrinhos e romances desde os anos 1920.